ENIGM-ART

L’escalier dans la peinture

2012-02-28T11:50:00.001+01:00

L’escalier dans la peinture ou le mystère de l’escalier

L’escalier dans la peinture est un thème insolite auxquels se sont intéressés quelques artistes soit pour sa symbolique comme Rembrandt et Dippre soit pour son aspect esthétique comme Hubert Robert.

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Le masque dans la peinture

2012-02-20T08:00:00.000+01:00

Le masque dans la peinture…Ou la femme masquée

De nombreux artistes se sont intéressés au masque et en particulier à la femme masquée. Cette femme mystérieuse qui s’affuble d’un masque pour se cacher et participer à un bal masquée. Voici quelques exemples des œuvres les plus représentatives de ce thème.

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L’écureuil dans la peinture

2012-02-08T17:27:00.002+01:00

L’écureuil dans la peinture…Un animal insolite

L’écureuil est dans de nombreuses cultures considéré comme un animal négatif. Bagarreur et rebelle, sa couleur rousse le conduit à être le symbole de Satan dans l’imaginaire chrétien. Par ailleurs, sa tendance à accumuler la nourriture donne de lui l’image de l’avarice et de l’avidité. Cependant, il a parfois, un aspect positif. Son habitude à se protéger de la pluie, donne de lui la vision de la Providence divine. L’écureuil, animal insolite reste un sujet passionnant pour les artistes mais assez peu représenté en peinture.

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Ferronnière dans la peinture

2012-01-26T10:54:00.001+01:00

La ferronnière dans la peinture…Un bijou insolite

Ruban étroit, cordelette ou fine chaîne, la ferronnière se porte sur le front et s’agrémente en son centre d’une pierre ou d’une perle en forme de goutte. Outre son aspect décoratif et insolite, la ferronnière, bijou par excellence de la Renaissance, fait office de bandeau. Voici quelques tableaux représentant des femmes portant une ferronnière. Léonard de Vinci est celui qui a le plus utilisé cet accessoire.

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Les plus beaux noirs de la peinture

2012-01-19T10:56:00.000+01:00

Les plus beaux noirs de la peinture…

Le thème des noirs dans la peinture fait son apparition tout d’abord dans les représentations religieuses comme celles des rois mages ,de St Maurice dés le Moyen –Age.

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L’Epiphanie dans la peinture

2012-01-11T11:26:00.000+01:00

L’Epiphanie dans la peinture…Et la galette des rois

Le jour de l’Epiphanie, au XVIIème siècle, les familles bourgeoises hollandaises se réunissaient pour fêter cet évènement religieux. C’était l’occasion de chanter et de boire. La fête commençait par la proclamation d’un roi, tiré au sort et qui avait le devoir de présider la table et de conduire la fête. On offrait au roi, une couronne de papier souvent décorée de motifs représentant la Vierge et l’Enfant, accompagnés de St Joseph et des Rois mages. Le roi était entouré d’une cour factice avec une reine et des courtisans.

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Les 4 saisons dans la peinture

2011-12-31T17:27:00.001+01:00

Une bonne année 2012 à tous en compagnie des quatre saisons de Rosalba Carriera. Cette version des quatre saisons est originale car elle ne met pas en scène des paysages comme il est de coutume mais quatre femmes représentées avec les symboles du printemps, de l’été, de l’automne et de l’hiver.

Rosalba Carriera, Les quatre saisons

Peintures insolites et graffiti

2011-12-26T17:55:00.001+01:00

Peintures insolites : graffiti et gommages…

Le site blog.thaeger.com, nous propose quelques peintures insolites et graffiti pour notre plus grand plaisir. En voici quelques exemples suivi de l’œuvre originale des grands maîtres. Une manière originale de mêler passé et présent.
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Les aliments de luxe dans la peinture

2011-12-19T16:14:00.001+01:00

Les aliments de luxe dans la peinture…Homard, huîtres, champagne, chocolat

Voici les aliments de luxe disséminés dans quelques natures mortes pour vous offrir un petit air de fête pour le réveillon.
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Animaux exotiques dans la peinture

2011-12-12T15:58:00.001+01:00

Rhinocéros, girafes, éléphants…Des animaux exotiques dans la peinture
Il faut attendre la Renaissance, pour qu’apparaissent les premières représentations d’animaux seuls dans la peinture. Voici quelques exemples d’animaux exotiques comme le rhinocéros, l’éléphant ou la girafe.
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Bougie, chandelle et flamme dans la peinture

2011-12-05T17:30:00.001+01:00

Bougie, chandelle et flamme dans la peinture...Et lumière spirituelle

La bougie , la chandelle ou la flamme sont autant de manières de nommer la lumière . Voici quelques superbes tableaux pour éclairer votre Noël ...
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Les femmes qui lisent dans la peinture

2011-11-28T11:47:00.001+01:00

Le mystère des femmes qui lisent …dans la peinture

Le thème des femmes qui lisent est représenté souvent dans la peinture et cela dés le Moyen-Age. De la vierge Marie à Marie-Madeleine, les femmes lisent et les artistes les peignent parfois concentrées, parfois espiègles ou indifférentes…

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Portraits d’animaux dans la peinture

2011-11-22T11:31:00.001+01:00

Les portraits d’animaux dans la peinture…Un petit jeu

Svjetlan Junakovic, peintre, sculpteur et illustrateur s’est amusé à remplacer les personnages de célèbres tableaux par des animaux. Pourquoi ne pas essayer de retrouver les portraits originaux. Un petit jeu passionnant pour petits et grands.

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Séduction dans la peinture

2011-11-14T19:31:00.001+01:00

Séduction dans la peinture…Et femmes fatales

Le mot séduction est dérivé du latin seducere et signifie littéralement “ tirer à l’écart”. Forme de tentation ou invitation à commettre le péché dans la religion, la séduction se traduit souvent par le regard. Comment ne pas faire référence au psychologue Eckart Hess qui lors d’une expérience auprès d’hommes observe que ces derniers sont attirés par des photos de femmes aux pupilles dilatées…Signe de désir. Le célèbre peintre italien Rotari s’est beaucoup intéressé à cette séduction du regard. Voici quelques exemples de femmes fatales.

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Chaussures insolites dans la peinture

2011-11-07T12:17:00.001+01:00

Les chaussures….Accessoires insolites

Les chaussures ont depuis toujours fasciné. Tantôt objet de séduction, elles nous en disent long sur nos désirs et fantasmes. Tantôt symbole de puissance, elles sont un substitut de l’autorité. Comment ne pas penser aux insolites chaussures dans la peinture représentant Louis XIV…

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Le rire dans la peinture

2011-10-31T11:39:00.000+01:00

Le rire…Un thème rare dans la peinture
Le rire est un élément clé de la communication non-verbale entre les humains. Il peut avec infiniment de nuances, exprimer la joie, la bienveillance, l’humour, l’ironie, la dérision ou même le mépris. Le rire comme le regard reflète notre personnalité. On pourrait donc s’attendre à ce qu’il soit beaucoup représenté dans la peinture. Or, on peut constater que ce n’est pas le cas. Peut-être exprime-t-il une trop grande familiarité qui pourrait nuire à l’affirmation d’un pouvoir, d’une position sociale.
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La citrouille et le potiron dans la peinture

2011-10-24T12:32:00.002+02:00

La citrouille et le potiron…Des cucurbitacées insolites dans la peinture

Attributs des pèlerins et des marchands ambulants, symboles de la résurrection et attributs de la vie brève, la citrouille et le potiron dans l’imaginaire collective avaient une connotation négative car malgré leur beauté, ils n’en avaient pas moins une basse valeur nutritive.

Dans les temps anciens, la citrouille ou le potiron évidés étaient utilisés pour transporter l’eau, le vin ou le sel et parfois comme gourde par les pèlerins et les marchands ambulants.
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Le jeans dans la peinture

2011-10-12T11:18:00.002+02:00

De la toile au vêtement…Le jeans dans tous ses états
Une magnifique exposition à la galerie Canesso, a révélé un peintre de la fin du XVIIème siècle,originaire de l’Italie du Nord qui habillait ses personnages de vêtements en toile bleue dans laquelle certains historiens du costume voient l’ancêtre de la toile de jeans . D’autres pensent qu’il peut s’agir d’un tissus nommé “droguet” à trame de laine bleue et chaîne de chanvre écru, utilisé par les paysans .Par la suite de nombreux artistes se passionneront pour la toile de jeans si lumineuse avec les thèmes américains de la conquête de l’ouest, des années 50 ou l' hyperréalisme.
Le nom de” jeans” vient de la contraction du mot “genovese” , génois en Italien.
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Le drap dans la peinture

2011-10-03T15:30:00.001+02:00

Du drap érotique au drap spirituel…Et assassin.

La représentation du drap dans la peinture est présente dans différents thèmes tels que Vénus ou Bethsabée sortant du bain…Un drap érotique. Certains artistes ont peint avec virtuosité le linceul du Christ…Un drap spirituel. D’autres, enfin, ont peint la violence…Un drap assassin.

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Vanités et bulles de savon dans la peinture

2011-09-24T16:26:00.001+02:00

Vanités et bulles de savon dans la peinture…

Les vanités et les bulles de savon s’inscrivent dans la tradition du XVIIème siècle et évoquent la brièveté de la vie. Des artistes ont inséré des bulles dans leurs tableaux, une manière de montrer leur virtuosité, de dénoncer la vanité humaine ou tout simplement de montrer un simple jeu d’enfant.

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Les plus belles soubrettes de la peinture

2011-09-15T11:46:00.001+02:00

Les plus belles soubrettes et femmes de chambres dans l'art…

Le nom de soubrette vient de l’occitan “soubreto”. Ce thème est peu utilisé en peinture. Henri Robert Morlan et Joseph Caraud en sont les plus célèbres représentants.
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Le miroir dans la peinture

2011-09-10T19:05:00.002+02:00

Le miroir convexe ou miroir de sorcière…

Le miroir de sorcière est un objet insolite, beaucoup utilisé à l’époque de Van Eyck. Il s’agissait d’un miroir en métal poli, moins onéreux que les miroirs à verre plats. Des verriers d’Augsboug avaient mis au point une méthode qui consistait à remplir une boule de verre d’un métal à température plus basse et ainsi à obtenir un miroir convexe. Les Français appelaient ce miroir, un miroir de sorcière car il élargissait de manière mystérieuse le champ de vision de l’observateur.

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Les plus belles larmes de la peinture

2011-09-03T18:46:00.000+02:00

Les plus belles larmes de la peinture…
La représentation des larmes dans la peinture est un sujet empli d’émotions qui touche au cœur. Quelques artistes se sont intéressés à ce thème autant pour exprimer la tristesse que pour montrer leur virtuosité
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Bijoux et poison dans la peinture

2011-08-22T10:32:00.000+02:00

Des bijoux pour se protéger du poison…

Pour se protéger des aliments empoisonnés, les seigneurs de la Renaissance avaient recours aux goûteurs. Les mets cuisinés à leur intention étaient transportés dans des récipients munis de couvercles afin que l’on ne puisse plus rien y ajouter au sortir des cuisines. Ce privilège du couvercle était réservé aux princes régnants.

Il existait par ailleurs des bijoux pour se protéger des poisons. Peter Christus fait référence à ces objets insolites dans son fameux tableau “Saint Eloi orfèvre”datant de 1449.

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Vêtements et rayures dans la peinture

2011-08-07T11:47:00.000+02:00

Vêtements et rayures dans la peinture…

Les vêtements à rayures étaient inconnus dans l’Europe médiévale; on ignore leur origine et la raison pour laquelle ils étaient mal vus. On suppose que les croisés ont dû se battre en Palestine contre des adversaires portant des manteaux rayés. L’église chrétienne considérait les rayures comme une décoration profane et donc par la même condamnable.

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Raphael et la Fornarina dans la peinture

2011-07-25T17:23:00.001+02:00

Raphael et la Fornarina…Une histoire d’amour

Ingres a représenté à différentes reprises les amours du peintre Raphael et de la belle Fornarina.
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Religion dans la peinture

2011-07-15T10:07:00.001+02:00

Quand la religion devient insolite…

La peinture s’est beaucoup intéressée à la religion : vierges à l’enfant, crucifixions, , vie des saints… Mais peu de peintres se sont essayés à la satire religieuse. A travers quelques exemples, nous étudierons ce courant iconographique.

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Mariage dans la peinture

2011-07-01T11:41:00.002+02:00

Un mariage à la cour du Duc de Bourgogne…

Ce tableau est généralement considéré comme la représentation du Duc de Bourgogne Philippe le Bon et de sa cour durant une fête ou plus précisément un mariage dans le parc du château de Hesdin.
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Les Indiens d’Amérique dans la peinture

2011-06-20T10:21:00.001+02:00

Sur la piste des Indiens d’Amérique…
Avant que Hollywood et le cinéma ne s’en emparent, la peinture s’est intéressée aux indiens d’Amérique. Elle prend deux visages, un idyllique et féminin et l’autre viril et héroïque.
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Le gant dans la peinture

2011-06-10T10:08:00.002+02:00

Le gant …Un bel accessoire de mode

Par tradition, le port du gant représente l’autorité. Le gant objet de prestige symbolise la main et le pouvoir de celui qui le revêt. Cet usage remonterait à l’époque gauloise puis l’église l’aurait reprise à son compte pour asseoir son influence.
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Gitans et bohémiens dans la peinture

2011-06-02T08:18:00.004+02:00

Dans l’iconographie moderne, Les peuples bohémiens et gitans ont une importance et une fascination certaine. Deux caractéristiques sont à noter : la prépondérance féminine et la focalisation sur le regard.

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Un bijou insolite dans la peinture

2011-05-26T09:07:00.000+02:00

La pomme de senteur….Un bijou insolite

Une pomme de senteur également nommée pomme d’ambre, pomander ou pomandre est un bijou en métal précieux ciselé contenant des parfums comme l’ambre gris, la civette ou le musc. On lui prêtait des vertus curatives mais aussi aphrodisiaques.

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Anges insolites dans la peinture

2011-05-15T11:15:00.003+02:00

Les anges insolites…

Les anges ont été représentés de nombreuses manières au cours des siècles par des artistes célèbres tels que Giotto, Beato Angelico, Botticelli, Rembrandt, Rossetti, Manet ou Howard Finster mais on parle rarement de Jacques Gautier d’Agoty , d’Hugo Simberg ou Jan Sanders Van Hemessen. Pourtant ces artistes nous révèlent des anges insolites et émouvants.

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Tulipe et tulipomania dans la peinture

2011-05-03T10:36:00.001+02:00

La tulipe une fleur de folie…

A l’origine, la tulipe ”lali” en turc est venue de Perse. Elle était l’emblème des sultans de haute-lignée. Le commerce de cette fleur est jalousement interdit, mais au XVIème siècle, Constantinople devient le carrefour du commerce et les étrangers découvrent cette fleur si secrète. Dans les années 1560, Conrad Gesner puis Clusisus, préfet des jardins impériaux de Vienne réussissent à se procurer des bulbes.

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chapeau et coiffure dans la peinture

2011-04-28T11:59:00.000+02:00

Le chapeau et la coiffure , une créativité délirante…

Le chapeau semble avoir eu un double rôle, de protection contre le froid, le soleil, la pluie, voire certains combats mais aussi d’affirmation d’un statut social ( chapeau d’apparat), d’une appartenance ethnique pour finalement devenir un accessoire de mode à part entière.

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L’œuf dans la peinture

2011-04-20T12:13:00.001+02:00

De l’œuf simple aliment à l’œuf symbole…

L’œuf déjà présent dans la cuisine égyptienne est un aliment très ancien. Nourrissant et simple à la fois, l’œuf était utilisé pour la convalescence et le régime alimentaire après l’accouchement. Symbole de l’espérance et de la résurrection dans la Bible, il est souvent représenté dans les scènes de la Nativité de la Vierge ou du Christ. Il a aussi une valeur symbolique de renaissance avec l’œuf de Pâques.

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La lettre dans la peinture

2011-04-12T16:42:00.000+02:00

La lettre dans tous ses états…

Dans la peinture Hollandaise du XVIIème siècle, une grand importance est accordée à l’échange épistolaire, ce qui témoigne du niveau élevé de l’instruction. La lettre indéchiffrable pour le spectateur, exacerbe sa curiosité et s’il veut en savoir plus il doit scruter l’émotion sur les visages contrariés, émus ou anxieux. La lettre est toujours un mystère…Comme celle d’Antonietta Gonsalus.

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La couleur verte dans la peinture

2011-04-05T11:30:00.004+02:00

Le vert…Une couleur qui a du caractère

Le caractère chimiquement instable du vert en fait une couleur à double tranchant : celle de l’espérance, du hasard, du jeu mais aussi parfois de la malchance.

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Le cabas d’art chez Arteeshirt

2011-04-01T08:39:00.001+02:00

Découvrez la nouvelle collection : le cabas d’art chez Arteeshirt, des sacs de courses en tissus 100% coton. Un shopping bag tendance qui vous permet d’afficher votre singularité. Une bonne idée pour remplacer les sac plastiques de supermarché et pourquoi pas devenir le sac de cours des étudiantes fashion. Vous pourrez aussi l’amener en vacances…Sur les plages, il portera votre maillot, votre crème solaire et un bon livre.

Venez découvrir la nouvelle collection de sacs d’art Arteeshirt…
Sacs d'art Arteeshirt

Les lunettes dans la peinture

2011-03-28T09:20:00.002+02:00

Les lunettes ou “pierres à lire” dans la peinture
C’est dans la seconde moitié du XIIIe siècle que seraient apparues les premières lunettes ou pour être plus précise l’unification des deux loupes dans une même monture laquelle s’appuyant sur le dos du nez. Un moine Italien du nom de fra Giordano da Rivalta parle lors d’un sermon en 1305, de l’art de confectionner des lunettes autour de 1285 et de son utilité pour la société. Quoi qu’il en soi, aujourd’hui, le nom de celui qui les a inventées reste inconnu. L’homme ou la femme qui donna à l’humanité la possibilité de lire, d’écrire ou de pratiquer toute autre activité reste anonyme.
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Le trompe l’œil dans la peinture

2011-03-25T11:06:00.002+01:00

Le trompe l’œil dans la peinture: la fenêtre

La fenêtre est un exemple précoce d'illusion qui deviendra très répandue et appréciée dans l’art hollandais du XVIIe.

La fenêtre constitue un motif de prédilection dans l’imaginaire des artistes. Elle participe à la construction d’un espace esthétique, poétique et symbolique. Source de luminosité, de visibilité, de communication, elle est la frontière entre deux espaces. Ce qu’elle montre n’est pas toujours visible ou ne l’est que très partiellement.

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Le voile dans l’art

2011-03-18T09:44:00.000+01:00

Derrière le voile…Les secrets d’une beauté mystérieuse

Le voile, attribut des vierges, des femmes pieuses et des veuves peut devenir dans l’art, un instrument de séduction lorsqu’il ne se limite pas à couvrir les cheveux mais descend sur le corps. Le voile est d’ une formidable sensualité : on voit et on ne voit pas. Le voile dissimule et révèle, éloigne et attire. Le voile accentue le désir de connaître les secrets d’une beauté mystérieuse.

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L’argent dans la peinture

2011-03-16T11:05:00.000+01:00

Percepteurs d’impôts et changeurs…Des métiers d’argent

Au XVIème siècle, les tableaux représentant des percepteurs d’impôts, changeurs, usuriers avaient largement cours dans la peinture néerlandaise: ils remontent probablement tous au tableau disparu de Van Eyck. Metsys et Reymerswaele sont les principaux représentants de ce thème.

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Le sport dans la peinture

2011-03-11T09:39:00.001+01:00

L’art du jeu de paume…Un sport à la mode

Le jeu de paume est un jeu de balle pratiqué depuis prés d’un millénaire. Initialement joué à main nue ou gantée de cuir, il est ensuite devenu un sport de raquette. Suite

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Dentelles dans la peinture

2011-03-07T16:17:00.002+01:00

Fabuleuses dentelles ou crachats du diable…

Il n’existe aucune information précise des dates et lieux originels de la dentelle. Il est toutefois admis qu’elle aurait vu le jour au XVIème siècle, dans la région de Venise. D’abord nommée passementerie, c’est en 1545 qu’apparait pour la première fois le mot dentelle, c’est à dire “petite dent” dans l’inventaire de la dot de la sœur de François Ier. Suite

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Cranach l’insolite

2011-02-27T19:43:00.003+01:00

Cranach l’insolite où l’art du double sens…

Le thème d’Hercule chez Omphale est utilisé de nombreuses fois par Cranach car il symbolise parfaitement l’expression “l’amour est aveugle” un des leitmotiv du peintre. D’après la légende, le viril héros, amoureux de la reine de Lydie, s’amollit à sa cour. Au point, dénonce l’artiste, de filer la laine et de se coiffer en femme sous le regard goguenard des servantes. Mais le message, comme souvent chez l’artiste, a un double sens : que faut-il voir dans le regard de la dame de droite ? une mise en garde ou une invitation? Suite

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Personnages de dos dans la peinture

2011-02-20T19:16:00.003+01:00

Quand les artistes s’intéressent au dos…

Vu de dos, un personnage ne dévoile ni son visage ni son expression. Comment savoir ses intentions ?

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Le sein dans la peinture

2011-02-10T10:30:00.004+01:00

Le sein dans tous ses états…

Petit et pointu ou rond et lourd ; maternel ou sensuel, le sein est le sujet le plus représenté dans l’histoire de l’art. Symbole sans conteste de la femme dans l’imaginaire européen. Suite

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Le portrait féminin dans l'art

2011-01-31T15:51:00.002+01:00

Portrait féminin ou reflet de l'âme

Le portrait est un genre très apprécié dans les arts figuratifs. La ressemblance avec le modèle constitue une des caractéristiques fondamentales dans sa réalisation mais pas seulement; un bon portraitiste doit être capable de capturer rapidement les traits particuliers d'un visage où d'une expression, un sourire...Suite

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Adam et Eve dans la peinture

2011-01-26T15:53:00.005+01:00

Adam et Eve enfin réunis ou…Quand Adam retrouve Eve

En 1613, l’artiste maniériste Néerlandais Hendrik Goltzius peint “Adam et Eve” sous la forme de deux panneaux distincts mais crées pour être vues ensemble. Mais le couple sera séparé par les aléas du marché de l’art . Le musée des Beaux-Arts de Strasbourg les réunis jusqu’au 22 février…Un belle initiative! Suite

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Les bijoux dans la peinture

2011-01-21T11:27:00.002+01:00

L’insolite bijou-fourrure…

Il s’agit d’un type particulier de fourrure très en vogue au XVIème siècle avec certaines parties en or, pierres précieuses que les nobles dames portaient sur elles pour attirer les puces et autres parasites. Suite

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Architecture dans la peinture

2011-01-12T16:14:00.004+01:00

La Tour de Babel…Une architecture d’utopie et de vanité

Sujet d’utopie et de vanité, illustrant l’orgueil de l’homme qui prétend se passer de Dieu, la Tour de Babel a passionné les artistes du XVIème et du XVIIème siècle. Elle permet de suivre l’évolution des techniques de l’architecture et fait intervenir deux espaces essentiels, le haut, domaine divin et le bas, réservé aux hommes que la dynamique verticale de la Tour tente en vain de réunir. En hébreu, Babel signifie, littéralement, “confusion”. Symbole à la fois moral et religieux: outre les dangers de se croire l’égal de Dieu, la Tour de Babel nous interroge sur la nécessité qu’a l’humanité de se parler, de se comprendre pour réaliser de grands projets. Suite

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Astronomie dans la peinture

2011-01-05T15:06:00.003+01:00

Astronomie, ciel insolite et… ovni
Une œuvre de Jacopo del Sellaio aborde le thème de la Vierge à l’enfant sous un aspect insolite en insérant dans le ciel un détail curieux. En haut du tableau, à droite de l’épaule de la vierge, un engin d’où partent des rayons lumineux est suspendu dans le ciel. Un motif qui ressemble étrangement à un ovni: même forme ovoïdale, même rayonnement et détail saisissant même inclinaison rapportée par les témoins lorsque les ovni se déplacent. Il ne peut s’agir de l’étoile de la Nativité car elle est déjà présente dans le tableau.Suite

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Nouvel An dans la peinture

2011-01-01T12:38:00.001+01:00

Nouvel An dans la peinture…

Voici un tableau de Frederick Childe Hassan, peintre impressionniste Américain qui représente un couple magnifiquement habillé, devant une vitrine de magasin, le soir du Nouvel An. Le thème du Nouvel An est rare en peinture et mérite donc d’être signalé.

Bonne Année 2011 à tous!

L’insolite costume du Père Noël

2010-12-22T15:54:00.002+01:00

L’insolite costume du Père Noël…

La lettre du More est un tableau de Pietro Longhi peint en 1751. On aperçoit sur la partie droite, un étrange personnage vêtu de rouge qui ressemble en tout point à l’iconographie du Père Noël telle que l’avait imaginé Thomas Nast, illustrateur et caricaturiste au journal new-yorkais “Harper’s illustred weekly”en 1860 où il revêtait un costume rouge, garni de fourrure blanche et rehaussé d’un large ceinturon de cuir. La légende fit son chemin et en 1931, le Père Noël devenait l’image publicitaire de Coca Cola grâce au talent artistique de Haddon Sundblom.

Pietro Longhi, La lettre du more 1751

Le jeu d’échecs dans la peinture

2010-12-18T10:33:00.001+01:00

Le jeu d’échecs dans la peinture…

C’est à la fin du Xème siècle que ce jeu de guerre, d’origine indienne le chaturanga est transmis à l’occident par les Arabes. A partir de 1200, le jeu d’échecs se répand dans les villes et les campagnes gagnant toutes les classes de la société. Dés lors, les ecclésiastiques entreprennent une moralisation des mœurs à travers le jeu d’échecs. Placé sous l’autorité du Pape Innocent III, le traité Innocente Moralité est diffusé dans toute l’Europe et relayé par des sermons dans les églises. Il déclare que le monde ressemble à un échiquier quadrillé de noir et de blanc, ces deux couleurs symbolisent les conditions de vie et de mort, de bonté et de péché.
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Les trois Grâces dans la peinture

2010-12-09T15:53:00.003+01:00

Les trois Grâces dans la peinture…

Les trois Grâces sont des déesses Grecques . Filles de Jupiter et d’Eurynome, elles portent le nom d’Euphrosyne qui symbolise la joie, de Thalie l’abondance et d’Aglaé la beauté. Ensemble, elles personnifient la fête et président à toutes les activités ludiques comme la danse ou les jeux. L’iconographie, les représentent soit tenant toutes les trois une pomme soit l’une tient des roses, l’autre un dé à jouer, la troisième une branche de myrte. Pour les artistes de la Renaissance, l’entrelacement de ces trois figures était un thème courant et inévitable, mais en réalité les grandes époques du classicisme l’ignoraient et son origine reste obscure. Il se peut qu’il y ait à l’origine de ce motif complexe une rangée de danseuses se tenant par les épaules, l’une de face et l’autre de dos, motif assez courant dans la chorégraphie grecque. Un artiste eut l’heureuse initiative d’extraire trois figures de cette rangée, de les grouper dans une composition fermée et symétrique et de les présenter comme douces et aimables compagnes de Vénus. La nudité des Grâces n’étant pas, pour quelques raisons inconnues, condamnée moralement, celles-ci permirent à la beauté païenne de réapparaitre au XVème siècle.
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L’autoportrait féminin dans la peinture

2010-12-01T19:09:00.002+01:00

Les autoportraits de Sofonisba Anguissola…

Sofonisba Anguissola, l’aînée de six filles toutes peintres dont Elena, Europa, Lucia, Anna, Maria, Minerva est la fille de Amilcare Anguissola. Membre de la noblesse génoise, il encourage ses filles à développer des compétences artistiques. Sofonisba est la plus connue car elle fut le peintre officiel de la cour d’Espagne, une distinction tout à fait inusitée pour une femme à cette époque. D’autres femmes furent artistes comme Lavinia Fontana, Barbara Longhi ou Fede Galizia mais elles étaient toutes filles de peintres. Le cas de Sofonisba reste donc unique dans la peinture du XVIIème siècle.Lire la suite

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Aliments aphrodisiaques dans la peinture

2010-11-23T15:22:00.001+01:00

Aliments aphrodisiaques: huîtres, artichauts et chocolat…

Mystérieux, exotiques, érotiques, trop savoureux pour être honnêtes…Les huîtres, l’artichaut ou le chocolat ont inspirés les peintres du XVIIème et XVIIIème siècle.

Les huîtres

Les huîtres furent introduites dans l’alimentation humaine dés la fin de l’âge de pierre. Les Romains avaient même inventé une technique d’élevage décrite par Varrone . Dans leur gastronomie, les huîtres étaient appréciées, on les lavait au vinaigre puis on les conservait dans des amphores scellées. L’origine de l’huître comme aliment aphrodisiaque viendrait du symbolisme féminin du coquillage en tant que réceptacle.

Franz Francken, Le banquet 1630

Le banquet est une sorte de préambule gastronomique amoureux. On voit des hommes et des femmes magnifiquement habillés dégustant des huîtres. Le thème du tableau suspendu au dessus de la cheminée montre le couple sensuel et fatal de Sanson et Dalila et souligne ainsi l’atmosphère érotique du banquet.

L’artichaut

Originaire du Moyen-orient, l’artichaut est introduit en occident par l’intermédiaire des Arabes d’Espagne et prend le nom de halcachofa de l’Arabe harsufa. Il fut importé en France par Catherine de Médicis.

Abraham Bosse( d’après), Le goût

Au centre de la table, un chauffe-plat en métal doré, accessoire raffiné, souligne l’élégance de l’ambiance et des protagonistes de la scène. L’artichaut, légume aphrodisiaque, que la jeune femme s’apprête à prendre, souligne la rencontre sensuelle.

Le chocolat

Le chocolat, boisson parée de vertus aphrodisiaques hante les alcôves du XVIIIème en Europe. On use et abuse du chocolat pour se stimuler ou l’offrir à ses amants afin d’améliorer leurs performances.

Pietro Longhi, Le chocolat du matin 1775

En 1624, un théologien fait paraître un écrit condamnant la consommation du chocolat dans les couvents, ce breuvage échauffant les esprits et les passions. Au siècle suivant, Longhi peint un religieux dégustant une tasse de chocolat en compagnie d’une jeune femme. La grande période des courtisanes du XVIIème et XVIIIème est propice à une forte consommation de chocolat. Dans son traité des aliments Louis Lemery précise au sujet du chocolat: “ses propriétés stimulantes sont propres à exciter les ardeurs de Venus.” Des gravures du XVIIème siècle ou des estampes allemandes du XVIIIème siècle montrent souvent des scènes où l’on déguste du chocolat chaud.

Madame de Pompadour si l’on en croit les écrits de Madame de Hausset absorbait régulièrement des décilitres de chocolat ambré pour s’échauffer le sang, d’autant que Louis XV lui reprochait régulièrement “ d’être froide”.

Un petit jeu

Parmi ces femmes célèbres laquelle consommait le chocolat chaud, vanillé et ambré pour tenter de stimuler ses ardeurs amoureuses. Elle faisait servir cette boisson à son déjeuner, avec une poignée de truffes et un potage de cèleri.

Madame de Pompadour

La comtesse du Barry

La reine Marie-Antoinette

Solution: Il s’agit de Madame de Pompadour

Les mathématiciens dans la peinture

2010-11-17T18:32:00.001+01:00

Luca Pacioli, un mathématicien au temps de Léonard de Vinci…

Fra Luca Pacioli, né à Borgo San Sepolcro de quelques années plus âgé que Léonard, disciple de Piero della Francesca et d’Alberti, a vécu des mathématiques à Pérouse, Florence, Rome et Venise où il a fait publier une Summa de arithmetica geometrica proportioni et proportionalita qui lui a donné une grande réputation. Lorsqu’il se rend à la cour du Duc Ludovic de Milan, il entend exposer tout le savoir mathématique d’Euclide à Regimontanus.

De la rencontre de Pacioli et Léonard de Vinci va naître un livre, le De Divina Proportione, écrit par Pacioli et illustré par Léonard. L’ouvrage sera publié en 1509. Dans sa préface Pacioli, rend hommage à son ami qui a dessiné les cinq corps réguliers définis par Platon en volumes pleins et en squelettes: le tétraèdre, l’hexaèdre, l’octaèdre, le dodécaèdre, l’icosaèdre, ainsi que leurs dérivés.

Léonard de Vinci, Les cinq corps réguliers

La caractéristique de ces corps réguliers est que tous les angles et que tous les côtés de la superficie sont tous égaux. Dürer, Pacioli, Jacopo da Barbaro et Léonard se sont intéressés aux formes pures que sont les corps réguliers.

Léonard de Vinci, L’homme de Vitruve

Quand Luca Pacioli inspire les peintres…

Jacopo da Barbari, Luca Pacioli et son disciple

Le tableau attribué à Jacopo de Barbari, représente Luca Pacioli en compagnie de son élève Guidobaldo di Montefeltro. Sur le vert d’un tapis de table, devant le moine en habit, on aperçoit une ardoise montrant une figure d’Euclide, un manuscrit de géométrie, un pentaèdre sur un gros livre fermé et un compas, une équerre, un encrier portatif, un lourd cylindre où sont rangées les plumes. Un large volume régulier, qu’on dirait de verre, paraît flotter dans le vide sur le côté gauche du tableau.

Un petit jeu

Saurez-vous retrouver Luca Pacioli dans ce tableau de Piero della Francesca?

Piero della Francesca, Retable de Brera

La Madone se trouve sous la voûte à berceau de l’abside fermée par une coquille d’où pend un œuf. Elle est au centre de la scène, entourée de plusieurs saints. L’enfant est couché sur ses genoux. Le duc de Montefeltro est agenouillé à ses pieds. A gauche se trouvent saint Jean-Baptiste, Bernardin de Sienne et Jérôme; à droite: saint François, Pierre martyr et André; l’avant dernière figure représente Luca Pacioli, avec lequel Piero della Francesca s’était lié d’amitié.

Portrait insolite dans la peinture

2010-11-07T17:56:00.001+01:00

Le mystère d’Antonietta Gonsalus…

Antonietta Gonsalus a une douzaine d’années lorsqu’elle est peinte par Lavinia Fontana en 1585. Atteinte d’une insolite et rare pathologie: l’hypertrichose (développement anormal du système pileux) comme son père, ses deux sœurs et son frère, son cas sera étudié par le naturaliste Ulisse Aldrovandi qui dédia aux Gonsalus un chapitre et des xilographies dans son “Monstrorum Historia”. La famille, originaire des Canaries était considérée comme une vivante merveille exotique capable de susciter stupeur et curiosité. Elle fut exhibée dans de nombreuses cours d’Europe.
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Les alchimistes dans l’art

2010-11-03T18:27:00.001+01:00

Les alchimistes dans l’art…
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Le théâtre dans la peinture

2010-10-16T19:53:00.001+02:00

Le théâtre dans la peinture ou "Les deux carrosses"…

La pièce de théâtre “La foire de Saint-Germain” créée par Regnard et Dufresny en 1695, au cours de laquelle se déroule une scène burlesque sur les embarras de Paris est à l’origine du tableau “ Les deux carrosses “de Claude Gillot .

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Le champagne dans la peinture

2010-10-06T15:13:00.003+02:00

Le champagne, une denrée de luxe…

On doit la méthode de produire le champagne, au moine bénédictin Dom Pérignon. Cette boisson adoptée à Versailles par les plus raffinés aristocrates va devenir au fil du temps, l’emblème de la France dans le monde. Des peintres du XVIIIème et XIXème siècle vont s’intéresser à cette boisson reconnaissable entre toutes.

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La mouche de beauté chez Arteeshirt

2010-09-29T18:34:00.012+02:00

Arteeshirt, une marque de tee shirt d'art chic et choc…

Arteeshirt.com, c’est la boutique en ligne de deux créateurs passionnés d’art qui imaginent de véritables œuvres d’art portées en teeshirt pour celles qui souhaitent se démarquer. Une façon inédite de lier art et mode. Craquez pour le tshirt d'art “la mouche de beauté”, pur artifice et indispensable accessoire de mode pour séduire sans détour. Avec ce teeshirt d'art, les femmes pourront s’exprimer à travers les neufs positionnements qui constituent le langage des mouches de beauté. Près de l’œil, elle se nomme passionnée. Au coin de la bouche, c’est la coquette. Sous la lèvre elle devient discrète. Sur le front, la majestueuse. Sur la joue, c’est la galante. Sur le menton, l’enjouée…

Vous voulez faire un cadeau, offrir quelque chose de nouveau qui fera vraiment plaisir : le nec le plus ultra, le Teeshirt d'art Arteeshirt.com.

Mouches de beauté

L’usage des mouches de beauté (petite pièce de taffetas ou de velours noir que l’on colle sur le visage), dans la noblesse des XVIIème et XVIIIème siècles constitue un phénomène de mode inséparable de la toilette. Il devient très vite un véritable langage qui permet de montrer ses sentiments ou ses intentions selon une codification très précise.

Mouche de beauté : L'indécise

Mouche de beauté : La coquette

Mouche de beauté : La discrète

Mouche de beauté : La galante

Mouche de beauté : La majestueuse

Mouche de beauté : La passionnée

Mouche de beauté : La receleuse

Mouche de beauté : L'effrontée

Mouche de beauté : L'enjouée

Arteeshirt

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Monet et la femme au jardin

2010-09-25T12:51:00.004+02:00

Monet et le mystère de “la femme au jardin”…
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Les jardins philosophiques et maçonniques dans la peinture

2010-09-17T17:14:00.004+02:00

Les jardins philosophiques et maçonniques…

Les jardins philosophiques

L’image du jardin comme lieu dédié à la pensée et à l’étude remonte à l’Antiquité et tire son inspiration des fameux jardins de l’Académie de Platon. Nous savons qu’ Epicure philosophe pessimiste ne dédaignant pas les plaisirs, légua ses jardins à Athènes, sa cité, pour en faire un jardin public. Des siècles plus tard, dans une lettre de 1755, Voltaire décrira sa propre retraite, près de Genève, comme “ le palais d’un philosophe avec les jardins d’ Epicure".

“Mon jardin n’ excite pas la faim, il la satisfait; il n’augmente pas la soif à force de boire, il l’apaise en lui donnant gratuitement son remède naturel. Et c’est dans ces plaisirs que j’ai vieilli”. Épicure

L’homme moderne abandonne peu à peu la vision du cosmos dérivée de la doctrine platonicienne où la nature est dominée par l’individu pour vivre un rapport à la nature plus harmonieux.

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Jeux dans la peinture

2010-09-08T10:57:00.002+02:00

Jeux de cartes et jeux de regards dans la peinture…

Jeux de cartes

Les cartes à jouer ont probablement été inventées en Chine au VIIème ou VIIIème siècle. Elles sont arrivées en Espagne, portées par les Arabes qui les appelaient “Naïb ou Naïbe” puis elles sont apparues en Italie au XIVème siècle et en France au XVème siècle. Jeu de divertissement dans les maisons, les tavernes, mais aussi parfois dans les couvents, le jeu de cartes va subir au cours du temps de nombreuses interdictions tant des rois que des religieux. A la Renaissance les familles de la noblesse font du jeu de cartes un moyen d’éduquer les enfants à la vertu comme à la cour raffinée des Estensi à Ferrare. Des écoles de grands artistes telle que celle de Mantegna se spécialisent dans l’art de peindre des cartes destinées à l'apprentissage des plus petits.

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Science et Art dans la peinture

2010-09-03T10:27:00.001+02:00

Allégorie de l’art et de la science…

Ce tableau allégorique a été peint pour le marchand allemand Pietro Linder entre 1622 et 1627, peut-être par Jan Bruegel le jeune, à partir d’une idée de Muzio Oddin le dernier représentant de l’école de mathématique d’Urbino. C’est un important document iconographique sur le rapport entre les arts et les sciences. La Peinture est représentée en jeune fille endormie entre les bras du Dessin, un vieux sage qui veille sur les arts et les sciences mathématiques.

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La fraise dans la peinture

2010-08-27T18:38:00.004+02:00

La fraise dans tous ses états…

La fraise, pièce de lingerie blanche apparait vers 1550 dans le costume européen, influencé par la mode Espagnole. Selon les historiens du costume, la mode de ce col empesé viendrait de voyageurs qui l’auraient admiré au début du XVIème siècle, en Inde ou à Ceylan. Les grands cols de mousseline empesés à l’eau de riz, devaient protéger les vêtements des longs cheveux huilés des habitants de ces régions. Ce type d’empesage ramené au Pays-Bas aurait été adopté tout d’abord en Angleterre, pour faire ensuite école en Espagne puis dans le reste de l’Europe. La particularité de la fraise est d’être tout d’abord un discret ruché vers le milieu du XVIème siècle, pour finir en d’extravagantes proportions à la fin de celui-ci. Dès 1562 son ampleur est temporisée en Angleterre par un édit qui fixe sa largeur à quatre pouces. Le processus d’épanouissement de ce colifichet suit la même progression en France. Vers 1575, devant son extrême développement la fraise devient un accessoire indépendant dont les caricaturistes aiment se moquer. Ainsi Henri III n’hésite nullement en 1578 à porter une fraise de 15 lés de mousseline d’une largeur d'un demi-pied. La fraise subsiste encore au début du XVIIème siècle puis elle est abandonnée vers 1625 lorsqu’elle est condamnée par une loi somptuaire. Mais les interdits n’ont jamais arrêté une mode. En fait, la fraise atteinte de gigantisme meurt d’elle-même.
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Agnès Sorel dans la peinture

2010-08-21T15:27:00.003+02:00

Le sein d’Agnès Sorel…

Agnès Sorel, la première favorite de l’histoire de France invente le décolleté épaules nues, vivement critiqué par les chroniqueurs de l’époque.

Des trois tableaux que nous possédons d’elle, deux la représente avec un sein dénudé.
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Signature de peintres

2010-08-12T01:00:00.003+02:00

La signature de Passarotti…

Le tableau : La présentation de la vierge au temple, peint par Bartolomeo Passarotti en 1583, fait partie de ces tableaux de l’histoire de l’art où l’anecdote n’est jamais bien loin. En effet, si l’on observe de plus près le tableau, on s’aperçoit qu’une petite fille tient dans sa main un moineau en italien : passero. En fait l’artiste signait ses œuvres en peignant un oiseau. Et il ne fut pas le seul à s’amuser ainsi. Felice Boselli signait quant à lui ses œuvres avec une petite tête de coq ou si le commanditaire n’était pas trop superstitieux avec une tête de chouette.
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Rébus dans la peinture

2010-08-05T01:00:00.006+02:00

L’énigme de Lucina…
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La chevelure en peinture

2010-07-29T10:02:00.003+02:00

La chevelure en peinture…

Dans l’art occidental, une chevelure très longue est l'attribut de la force si l'on fait référence au fameux couple Samson et Dalila. Si l'on pense aux sirènes, c'est l'idée de la tentation qui nous vient à l'esprit. La longue chevelure de Marie-Madeleine qui a inspiré tant d'artistes, représente la femme luxurieuse. La chevelure blonde de Vénus est un idéal de beauté et la chevelure des simples mortelles ? une parure naturelle de séduction.

Samson et Dalila

Une femme est-elle représentée en train de couper les cheveux d’un homme endormi ?, il s’agit de Dalila avec Samson. Personnage biblique et type de la femme traitresse, elle séduit Samson et apprend de lui que sa force réside dans sa chevelure, le rase pendant son sommeil et le livre aux philistins.

Domenico Fiasella , Samson et Dalila

Ecole de Naples, Samson et Dalila, XVIIe

Gerrit Van Honthorst, Samson et Dalila, 1615

Gustave Moreau, Samson et Dalila

Jan Havicksz Steen, Samson et Dalila, 1668

Le Guerchin, Samson et Dalila

Lucas Cranach l'Ancien, Samson et Dalila

Peter Paul Rubens, Samson et Dalila

Rembrandt, Samson et Dalila

Lucas Cranach, Samson et Dalila, 1537

Sirènes

Les sirènes cherchaient à plaire aux navigateurs qu’elles entraînaient dans les profondeurs des mers où ils se noyaient. C’est par leur voix enchanteresse qu’elles les attiraient ainsi que pour leur gorge nue et leur longue chevelure. Cherchant la perte de l’homme, les sirènes deviennent dans l’iconographie chrétienne le symbole du démon tentateur. L'identification de l'image de la sirène comme attribut de la tentation fut tellement présent dans la culture européenne, qu'encore au XVIème siècle dans l'Angleterre Élisabéthaine, l'image de la femme-poisson est communément associée à la pratique de la prostitution. Comment ne pas se rappeler de l'exemple des nombreuses affiches satiriques représentant la caricature de Marie Stuart d'Ecosse en forme de sirène qui tapissèrent les murs d'Edimbourg en 1517, au soir des noces de l'impopulaire reine.

Dante Gabriel Rossetti, La sirène, 1873

Frédéric Leighton, Le pêcheur et la Sirène, 1858

Gustave Moreau, Le Poète et la Sirène

John William Waterhouse, Sirène, 1901

Maclise, L'origine de la harpe, 1842

Marie-Madeleine

La femme la plus représentée dans la peinture, Marie-Madeleine symbolise la luxure.

Titien, Marie Madeleine

Anthony Frederick Augustus Sandys, Marie-Madeleine

Francesco Hayez, Marie Madeleine

Giampietrino Rizzolini, Marie Madeleine

Giampietrino Rizzolini , Marie Madeleine

Guido Reni, Marie Madeleine, 1616

Le Titien, Marie Madeleine

Marie Madeleine se précipite aux pieds de Jésus qu’elle embrasse, qu’elle inonde de ses larmes, qu’elle oint de parfum et essuie de ses cheveux.

Rubens, Le Christ dans la maison de Simon, 1618-20

Alessandro Allori, Le Christ avec Marie et Marthe, 1605

Peter Aertsen, Le Christ dans la maison de Marthe et Marie, 1553

Romanino, Le Christ dans la maison de Simon

Vénus

Selon le système philosophique de Marsile Ficin, Vénus qui avait été banni pendant des siècles car elle représentait la luxure, est enfin réhabilitée dans la société humaniste. Elle devient le symbole de la compassion, de l'amour de la beauté idéale. Vénus est généralement représentée avec des cheveux clairs comme presque tous les personnages mythiques de la Renaissance. Peut-être un effet de mode ? Un auteur rapporte qu'en 1581 que les Vénitiennes avaient recours à des lotions et autres préparations pour donner à leur chevelure la couleur de l'or.

Paul Merwart , Vénus callipyge et cheveux longs

Alexandre Cabanel, Vénus, 1875

Alexandre Cabanel, La naissance de Vénus

Botticelli, La Naissance de Vénus, 1485

Chassériau, Venus Anadyomène

Simples mortelles

La chevelure très longue est un attribut de séduction chez la femme. Sans doute un reste de ce symbolisme explique-t’il pour une part que les jeunes filles prenant le voile sacrifient leur chevelure.

Titien, La jeune fille au miroir

Théodore Chassériau, Femme sortant du bain dans le Sérail,1849

Jules Lefebvre, jeunes filles en fleurs

Theodore Chassériau, La toilette d'Esther, 1841

Dante Gabriel Rossetti, Ladylilith

Molemaer, Allégorie de la Vanité ou Femme à sa toilette, 1633

Une anecdote

Elisabeth d'Autriche, une des plus belles femmes de son époque arborait une longue et magnifique chevelure.

Winterhalter, Elisabeth d'Autriche, 1864

Cabinets d'amateurs et cabinets de curiosités dans la peinture

2010-07-21T17:27:00.003+02:00

Cabinets d’amateurs et cabinets de curiosités

Cabinets d’amateurs

Le genre appelé “cabinets d’amateurs” prit naissance au Pays-Bas vers 1600 et disparut une centaine d’années plus tard. Les Flamands attachaient beaucoup d’importance à leurs toiles et se faisaient peindre avec elles, un moyen élégant pour montrer son goût artistique, ses richesses et donner à des amis de l’étranger un aperçu de ce qu’ils aimaient et possédaient. Suivant le goût de l’époque, les œuvres étaient serrées les unes contre les autres, cadre contre cadre, du sol au plafond. L’important étant de donner une impression d’abondance.

Cabinets d’amateurs de l’école du Nord

Frans Francken le Jeune, Galerie d'homme de science, 1612

Hieronymus Francken, Cabinet d'amateur de Jan Snellink

Jan van Kessel l’Ancien, Cabinet d’amateur avec Vénus à sa toilette, 1679

Johann Zoffany, La bibliothèque de Charles Towneley à park street, 1783

Johann Zoffany, La tribune des offices

David Tenier, Archiduc Léopold Wilhelm d’Autriche dans sa galerie, 1651

David Teniers, Archiduc Léopold Wilhelm d’Autriche à Bruxelles, 1641

Wilhelm Van Haecht,Cabinet de collectionneur avec Apelle peignant Campaspe, 1630

Willem van Haecht, Cabinet d’amateur de Cornelis van der Geest lors de la Visite des Archiducs, 1628

Cornelis de Baelleur, Cabinet d’amateur, 1637

Cornelis de Baelleur, Cabinet d’amateur, 1637

David Teniers, Galerie Archiduc Léopold Wilhelm d’Autriche

David Teniers le Jeune, Galerie de l’archiduc Léopold-Guillaume, 1639

David Teniers, Galerie de l'Archiduc Léopold Wilhelm, 1647

Cabinets d’amateurs de l’école Italienne

Giovanni Paolo Pannini, Galerie de la Rome Moderne

Giovanni Paolo Pannini, Galerie de la Rome Moderne

Giovanni Paolo Pannini, Galerie de la Rome antique, 1755

Giovanni Paolo Pannini, Galerie de la Rome antique

Giovanni Paolo Pannini, Galerie de la Rome antique

Cabinets de curiosités ou chambres des merveilles

Le cabinet de curiosité était un lieu où étaient entreposés et exposés des objets collectionnés, avec un certain goût pour l’inédit, l’étrange ou l’extraordinaire. On y trouvait couramment des médailles, des antiquités, des objets d’histoire naturelle, des momies égyptiennes, du sang de dragon séché, des squelettes d’animaux mythiques ou des œuvres d’art. Un inventaire du monde animal, végétal, minéral…qui intéressa bon nombre de peintres de l’époque qui manifestaient ainsi leur habileté à représenter toutes sortes de textures.

Jacques de Lajoue, Le cabinet de Bonnier de La Mosson, 1734

Frans Francken le Jeune, Cabinet de curiosité, 1617

Frans Francken le Jeune, Cabinet d'un collectionneur, 1636

Frans-II-Francken, Cabinet d'un collectionneur , 1625

Cabinets de curiosités d’aujourd'hui

Jeanine Delaporte, Salmigondis

Jacques Poirier, Saturne

Jacques Poirier, Le sculpteur

Jacques Poirier, Jeu de l’oisif

Jacques Poirier, Artnica, 1997

Un petit jeu :

Saurez-vous retrouver le tableau “Les trois philosophes” de Giorgione.

David Teniers le Jeune, Galerie Archiduc Léopold Wilhelm d’Autriche , 1651

Le corail dans la peinture

2010-07-16T16:16:00.000+02:00

Le corail dans la peinture : du corail protecteur au corail séducteur…

Le corail serait né, selon la légende grecque, des gouttes de sang versées sur le varech par Méduse, l’une des trois gorgones dont Persée aurait tranché la tête pour libérer Andromède. Le corail se dit d’ailleurs en grec “gorgeia”, c’est à dire gorgone.

Giorgio Vasari, Persée et Andromède, 1570

De nombreux exemples de l’iconographie religieuse nous montre la scène de la madone avec l’enfant représenté un rameaux de corail au dessus de la tête, autour du cou ou dans la main en signe de protection.

Pierro della Francesca, Madone de Senigallia, 1474

Andrea Mantegna, Madone de la Victoire, 1496

Jacopo Bellini, Madone avec l'enfant, 1450

Piero della Francesca, La sainte conversation, 1472-1474

Antonello de Messine, détail polyptyque de St Grégoire, 1473

Chez les anciens, le corail était utilisé comme amulette pour préserver du mauvais œil et des forces démoniaques. Parfois, on cachait même dans sa bourse, un morceau de corail contre la sorcellerie. Récemment encore régnait en Italie la mode des cornes de corail et les paysannes messines portaient un collier et un bracelet de corail pour se prémunir contre les empoisonnements.

Albano di Guillaume Bodinier, Demande en mariage, 1815 à 1850

Cornelis de Vos, Portrait de Famille, 1630

Domenico Ghirlandaio, portrait de Giovanna Tornabuoni, 1490

Ecole de Sanchez de Coello, L'infante Isabel Clara Eugenia avec Magdalena Ruiz, 1585

Le corail transformé en poudre, était utilisé en pharmacologie car sa ressemblance avec les vaisseaux sanguins du corps humain suggérait qu’il pouvait soigner les ulcères, les blessures, les cicatrices et les hémorragies.

Dans le folklore Français, les noces de corail symbolisent les onze ans de mariage.

Petrus Christus, Saint Éloi et les fiancés, 1449

Depuis l’antiquité, les hommes ont été fascinés par cette sublime couleur rouge à laquelle ils attribuaient un pouvoir de séduction. On trouve beaucoup de bijoux utilisant le corail rouge.

Anthony Frederick Sandys, Médée, 1866-1868

Anthony Fredrick Sandys, Helena, 1767

Lucas Cranach le Vieux, Vénus, 1532

Dante Gabriel Rossetti, Mona Vanna, 1866

En Afrique, le corail rouge est un ornement traditionnel des bijoux berbères de Kabylie et de l’Atlas marocain. Il est réservé à la parure des rois. Un collier et des boucles d’oreilles de corail sont les ornements de la personnification de l’Afrique dans la représentation des quatre parties du monde.

Gregor Brandmuller, Les quatre Parties du monde, 1682

On retrouve aussi le corail dans certains tableaux représentant l’allégorie du feu ou les quatre éléments.

Jan Bruegel le Vieux, Allégorie du feu, 1608

Giuseppe Arcimboldo, L'eau, 1566

Un petit jeu :
retrouvez le corail dans les tableaux suivants !

Georg Haintz, Cabinet de curiosités, 1666

Domenico Remps, Cabinet de curiosités , 1675

Georg Haintz, Cabinet de curiosités

La mouche dans la peinture

2010-07-09T12:24:00.002+02:00

De la mouche diabolique à la mouche de beauté…

La mouche, sans doute le plus petit animal représentable en peinture est un modèle de choix par sa délicatesse pour le peintre de textures qui a ainsi l’occasion de manifester son habileté.

Dans la doctrine chrétienne, l’insecte est associé au mal, au diable, au péché. Image du tourment et de la torture, il évoque aussi la passion du Christ. La mouche peinte peut également représenter une sorte de prévention contre la possibilité qu’à sa place se trouve une vraie mouche, en référence au dicton de la médecine médiévale : “simili similibus curantur”, c’est à dire le semblable soigne le semblable.

Mouches symbole de la mort

Giovanni Francesco Barbieri, Et in Arcadia ego, 1628

Barthel Bruyn, Vanité, 1493-1495

Peintre Allemand, Vanitas, 1600

Mouches symbole de la corruption et de la vénalité

Lucas Cranach , La transaction pécuniaire, 1532

Mouches symbole de l’éphémère

Ambrosius Bosschaert, Bouquet de fleurs

Christian Berentz, Verres et plat e biscuits, fin XVIIème siècle

Juan Van der Hamen Y Leon, Nature morte avec verres, céramique et biscuits, 1622

Mouches symbole de la Passion du Christ

Carlo Crivelli, vierge à l’enfant, 1473

Giovanni Santi, Christ de pitié, 1490

Peintre Italien, Vierge à l’ enfant, XVIème siècle

Mouches symbole éphémère de la beauté

Jean Monneret, L’ombre des vanités, 1993

Annonyme, Portrait de femme, XVème siècle

Maître de Francfort, Le peintre et sa femme, 1496

Peu à peu, à partir de la seconde moitié du XIXème siècle, les mouches en même temps qu’elles sont chassées des villes par l’hygiène, vont disparaitre de la peinture. Elles feront au XXème siècle quelques apparitions dans les œuvres de Dali ainsi que chez les peintres plus traditionnels des écoles du trompe-l’œil comme Corneille.

Jean-Jacques Corneille, Mémoire, 1992

Salvador Dali, la persistance de la mémoire, 1931

Salvador Dali, Progressivement

Pour les précieuses du XVIIème siècle qui avaient baptisées les mouches de beauté “taches avantageuses”, elles étaient irrésistibles. Accessoires essentiels de la beauté, ces morceaux de taffetas noir placés sur la joue auraient servi à l’origine d’enseigne du mal de dent. Apposées sur le visage et le décolletée, elles servaient aussi bien à rehausser le blancheur de la peau qu’à séduire le galant.

Giovanni Domenico Tiepolo, Scène de Carnaval, 1727–1804

La dame à la jarretière, 1742, François Boucher (1703-1770)

Charles- Antoine Coypel. Jélyotte sous un travesti féminin, vers 1745. (Louvre)

François Boucher, Une Dame à sa Toilette

François Boucher, Le petit déjeuner, 1739

Ecole Autrichienne, Vanité, 1769

Un petit jeu

Le langage de la mouche de beauté était fonction de son emplacement, saurez-vous découvrir ce langage ?
Où se trouve la passionnée, la galante, la coquette, l’enjouée ?

Solution :

Si l'usage des mouches de beauté était déjà connu au XVIIème siècle et faisait l'objet d’un langage bien précis, c'est au XVIIIème siècle qu'elles vont devenir les symboles de la parure.

Elles portaient toutes des noms :
Près de l'œil, elle se nomme assassine ou passionnée.
Au coin de la bouche, c'est la baiseuse.
Sous la lèvre, elle devient friponne ou coquette.
Sur le nez, effrontée ou gaillarde.
Sur le front, la majestueuse
Sur la joue, c'est la galante.
Sur une ride, dans le creux du sourire, elle est enjouée.
Sur la poitrine, c'est la généreuse.
Sur un bouton, la receleuse.
Ou bien sur le menton, ne serait-ce point la discrète ?

Cette mode disparaitra à la fin du XVIIIème siècle. Il faudra attendre un bon siècle pour que cette mode soit à nouveau en vigueur. Dans les années trente, l’emplacement favori est le coin de l’œil droit, les spécialistes du maquillage les vendent en boîtes. On les fixe en humectant la partie encollée. Nous sommes à l’ère de la mouche autocollante. Les adeptes du piercing n’ont rien inventés avec la “médusa” et la “Madonna” qui agrémentent la lèvre supérieure.

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Métamorphoses de la Joconde

2010-07-01T17:21:00.002+02:00

AUDACIEUSES METAMORPHOSES DE LA JOCONDE
La Joconde, symbole universel du beau, a inspiré de nombreux peintres contestataires du XXème et XXIème siècle, qui en ont fait des pastiches devenus célèbres…

Pneumonia Lisa, Rauschenberg, 1982

Métamorphose de la Joconde par l’espagnol Paul M.

Fernand Léger, La Joconde aux clefs (1930), Musée national Fernand Léger, Biot (Alpes-Maritimes).

Casimir Malevitch

"La Joconde" René Magritte , gouache sur papier, 35,2 x 26,5 cm Vers 1962, Patrimoine culturel de la communauté française de Belgique.

Paul Giovanopoulos, Mona Lisa (1988)

La Joconde (Mona Lisa) revisitée par Andy Warhol en 1963. Andy Warhol propose une sérigraphie de trente petites reproductions de l’œuvre :Thirty are better than one, « trente valent mieux qu’une ».

"Double Joconde" Andy Warhol, sérigraphie sur toile, 76 x 86,5 cm, 1963 The Menil Collection, Houston

Banksy, Mona Lisa avec une AK 47 - 2000 - peinture aérosol au pochoir.

Asbjorn Lonvig, Mona VIII (2003)

La Joconde revue par Stéphane Billau

Métamorphose de la Joconde par Doca.

Doca, Le temps de la Joconde, 2010, collection privée

Il existerait aussi des versions de la Joconde nue, peintes par des imitateurs et des disciples de Léonard probablement a partir d’une œuvre perdue du maître.

Copie de Leonard, Joconde nue, 1515-1518, Chantilly musée Condé.

Flore ou la Joconde nue peinture anonyme du XVII siècle

Disciple de Leonard,Joconde nue, XVIème siècle, Musée de l’Ermitage, Saint-Petersburg

Imitateur de Leonard, Mona Vanna ou Joconde nue, XVIème, XVIIème siècle.

Un jeu…
Le secret de Mona Lisa

Des scientifiques Canadiens viennent de percer l’une des plus fascinantes énigmes de l’histoire de la peinture. A la demande du musée du Louvre, ils ont étudié la Joconde. Avec des techniques pointues, ils sont parvenus à déterminer pourquoi Mona Lisa sourit : elle vient d’accoucher. Comment sont ils arrivés à cette conclusion ?

1. On aperçoit un landau dans le paysage.
2. Une partie du tableau grossie mille fois , fait apparaitre un message en latin “ergo mater sum”
3. Elle porte un voile destiné aux femmes venant d’accoucher .

Léonard de Vinci, La Joconde (1503-1506)

Solution : La technique utilisée, la reflectographie infrarouge, permet de rendre transparent les pigments et de révéler les couches de peinture. En appliquant un balayage laser 3D, ils ont fait apparaitre un voile de gaze porté par Mona Lisa au niveau de la poitrine et noué à l’encolure du corsage. Un vêtement d’intérieur, le guarnello, réservé à l’époque aux femmes enceintes venant d’accoucher.

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Ombres portées dans la peinture

2010-06-23T19:58:00.002+02:00

Les ombres portées dans la peinture…Débusquer cette trace incertaine.

Les ombres portées dans la peinture sont d’une relative rareté. Car même si elles servent à donner l’illusion d’une chose, la représentation scrupuleuse de chaque ombre contribuerait à brouiller la limpidité de l’histoire dépeinte. De nombreux artistes du XVIème siècle ne leur accordent que peu d’attention. En revanche, Caravage et ses nombreux émules, en favorisant des éclairages contrastés, jettent sur leurs figures des ombres d’un noir profond qui fragmentent les formes. Au-delà de ce débat purement plastique, on peut attirer l’attention sur quelques œuvres intrigantes ou seule apparait l’ombre d’un personnage situé “hors champ”.

Luca Signorelli, Madonne avec enfant et saints, 1484, Italie

Nicolo dell’Abate, portrait de jeune homme, 1548-1552, Autriche

Pam Crook, Le jardin des oiseaux, 1985 collection privé

Ecole anglaise, portrait de Wiliam Style of langley, 1636 Angleterre

Nicolas Poussin, “Et in Arcadia ego”, 1637-1639, France

Konrad Witz, Adoration des mages, 1444, Suisse

Frans Hals, Femme à la grande chaine de vie, 1618-1620, Kassel

Hubert & jan Van Eyck, Adoration de l’ange mystique, 1432, Gand

Moretto da Brescia, Gentilhomme en pied, 1526, Londres

Le Caravage, La vocation de Saint-Mathieu, 1600

Les ombres “hors champ”.

Salvador Dali, “Vertige”, 1930, collection particulière

Salvador Dali, “Moment de transition réaliser par l’atavisme psychopathologique et crépusculaire de tous les Angélus de Millet”, 1957-1959, Paris

Jean-Léon Gérôme, Le Golgotha, 1867

William Holman Hunt, L’ombre de la mort, 1870-1873

Un petit jeu : Saurez-vous retrouver les ombres dans le tableau suivant ?

Dédales et labyrinthes dans la peinture

2010-06-15T15:49:00.001+02:00

Dédales d’amour…

Au XVIème siècle naît un type de dédales qui évoque la difficulté et l’ambiguïté des rapports amoureux. La structure formelle de ces dédales dits dédales d’amour est organisée selon le schéma de cercles concentriques de buissons, au centre duquel se trouve un pavillon ou un arbre de mai qui fait référence à toute une série de célébrations et de rites liés au cycle de la renaissance de la nature et comme telle aux images de fécondités et donc dotés d’une forte allusion érotique. A coté de cette signification positive il en existe une autre négative qui fait référence au pécher et à la perte du paradis dans la mesure où l’arbre au centre du dédale est interprété comme l’arbre de vie.

Histoire de David et Bethsabée, Ecole Flamande, XVIème siècle, Londres

Paysage printanier, Lucas Van Valckenborch, 1587, Vienne

Histoire de David et Bethsabée, Henri Met de Bles, 1540

Parc avec château, Hans Bol, 1589

Déjeuner au jardin, table de voyage de Carlo Magi, XVIème siècle

Un petit jeu : dédales ou labyrinthes ?

Maître des Cassoni Campana, Thésée et le Minotaure, entre 1510 et 1520

Château de Versailles

Portrait peint par Bartolomeo Veneto, 1510

Les labyrinthes sont des tracés plats et circulaires conçus pour accéder à la paix de l’âme.

Les dédales sont des entrelacs semés d’obstacles destinés à défier et tromper le promeneur.

Solutions : A. dédale, B. labyrinthe, C. labyrinthe

Paysages anthropomorphes

2010-06-08T10:02:00.001+02:00

Malices d’une image cachée…

Les paysages anthropomorphes seraient nés des images accidentelles que l’on peut reconnaitre parfois dans la forme d’un nuage, d’un rocher ou d’un arbre. En effet, la perception d’éléments naturels voire de la nature entière comme un corps est très répandue comme en témoigne la toponymie : c’est-à-dire les noms traditionnels donnés à des rochers, des montagnes ou des lacs.

Le paysage anthropomorphe est affaire d’imagination, d’interprétation, mais surtout d’ambigüité des formes. Il y a des cultures et des périodes dans lesquelles le paysage anthropomorphe a été particulièrement représenté comme dans l’estampe japonaise, l’art africain, les miniatures indo-persane, les paysages fantastiques chinois et à partir de la Renaissance dans la peinture de toute l’Europe.

Le désir ou le besoin de dissimuler est un des motifs de l’emploi d’ambigüités visuelles, mais ce n’est pas le seul. Les artistes s’intéressent aussi aux expériences de perspectives, aux processus de création et à la volonté de lancer un défi aux spectateurs :

Saurez-vous voir ?

Francis Danby, Liensfiord, Norway: Calm circa 1835

Matthäus Merian , paysage anthropomorphe, Aquarelle aux alentours de 1650

Joos de Momper, paysage anthropomorphe, début 17eme

Matthäus Merian ,Paysage anthropomorphe, homme allongé, 1630-1650

Joos de Momper, paysage anthropomorphe, 1600-1635

Salvador Dali, tête paranoïaque,1935, collection particulière

Salvador Dali, portrait d’Isabel styler-Tas, 1945, national galerie, Berlin

Anonyme. Ecole des Pays-Bas méridionaux Portrait de femme 16°siècle

Matthäus Merian , l'Ancien, Paysage anthropomorphe 17°siècle

Joos de Momper II, Allégorie de l'automne, 17°siècle

Jan Linsen : Orphée : Orphée à l'entrée des Enfers - Hollande - Première moitié du XVIIème siècle - Musée du Louvre

Joos de Momper, paysage anthropomorphe, 1564-1635

Max Ernst, Le jardin de la France, 1962, musée national d’art moderne, Paris

Les tapis dans la peinture

2010-05-30T19:56:00.000+02:00

Péripéties d’un tapis…

Depuis la Renaissance, de nombreux peintres ont ressenti une attraction irrésistible pour les tapis. On les trouve avec une fréquence embarrassante et dans les positions les plus disparates dans les tableaux :

Aux balcons des maisons bourgeoises

Antonello Da Messina, Saint Sébastien, 1470 Dresde

Carlo Crivelli, Annonciation, 1486 Londres

Willem Van Mieris, Les bulles de savon, 1710-1720

Accrochés aux murs

Gerrit Van Honthorst, joyeux violoniste, 1623

Carpaccio, naissance de la vierge, 1502 1507

Posés sur une table

Lorenzo Lotto, Double Portrait d'un homme et sa femme, 1523-1524

Hans Memling, nature morte, 1485-1494

Rubens, Les quatre philosophes, 1610

Vermeer, Jeune femme assoupie, 1655 1660

Aux pieds du trône de la Vierge

Jean Van Eyck, Madone au Chanoine Georges van der Paele, 1436

Holbein le jeune, La Madone du Bourgmestre Meyer, 1525 et 1528

Andrea Mantegna, Madonna san zeno, 1457-60

Hans Memling, retable de saint Jean. Panneau central. Notre Dame et son divin enfant avec saint Jean-Baptiste et saint Jean. Hans Memling. XVe

Sur le sol

Eugène Delacroix, Les femmes d’Alger, 1834

Bruegel Le Vieux, Allégorie des sens, 1618

William Holman Hunt , Conscience, 1853

William Larkin, Richard Sackville,

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Les tapis furent tellement aimés des artistes de la Renaissance qu’ils en héritèrent parfois le nom, comme une sorte d’hommage à la fidélité de reproduction. Parmi les spécialistes qui se distinguent ; Holbein et Lotto.

Un petit jeu : Voici quelques tableaux, retrouvez les “tapis Lotto” et les tapis “Holbein”.

a) Lotto b) Holbein

SOLUTIONS :

1 a, 2b, 3b, 4a, 5b, 6a